春 宣纸、墨、国画色 68x136cm 2020年（点击查看图片）
巴黎圣母院 宣纸、墨、国画色 97x180cm 2020年（点击查看图片）
水墨画始于何时，已无十分确切的年代可考，但至少在公元八世纪的中国唐代，就相当流行了。它的工具主要是毛笔，材料主要是能溶于水的墨、纸、绢。比水墨更早的画，都以浓丽的色彩为特色，水墨画则开辟了以黑白两色的变换为特质的绘画新样式，十世纪以来竟演为中国绘画的主流，至今千年不衰。
古代中国画论有句话“墨分五色”，意思是黑色分出浓淡以后，也像缤纷的五色那样丰富和耐看。
但是，水墨画为什么不用色彩而是用水墨充当色彩呢。杨佴旻先生如是说：在中国，人们似乎对创造有一种天生的缺乏适应，一看，觉得跟过去的形式有距离了，就觉得这不是中国的了。错了！发展才有生命力，发展就是要和过去不同，它是中国的，但不是过去中国的了。在没有求真作为方向的时候，社会就会变的盲目，就容易无所适从，就容易反复，八九十年代谈创新，过了十年呢，又要回归。
峡谷 宣纸、墨、国画色 145x367cm 2020年（点击查看图片）
向日葵 宣纸、墨、国画色 145x367cm 2019年（点击查看图片）
夏 宣纸、墨、国画色 68x80cm 2019年（点击查看图片）
我们从这里来 宣纸、墨、国画色 144.6x366.5cm 2019年（点击查看图片）
中国画，狭义的讲一般是指写意水墨画和工笔重彩，中国画是西洋绘画进入中国之后才有的概念。唐之前的中国画不是单色，宋朝的院体绘画也是以色彩和线刻画为主，此外，宋朝还有另外一类画家，他们以士大夫文人为主导。这些人没有受过当时的正统绘画训练，但是他们有很好的书写能力，也因为他们是士大夫，社会地位高，他们的导向能在上层产生影响，进而广大，于是他们笔下似与不似的绘画逐渐成为主流。当时似与不似在他们手里也是无奈之举，因为他们没有对物象的刻画能力，也只能画出一个大概的感觉来。这样的绘画起初是没有名份的，属于文人士大夫的自娱自乐。文人画这个称谓和当代农民画的叫法近似，为何当时叫文人画呢，因为没有名字，就以创作者自身的身份叫开了，也是为了与当时正统的院体画家区分。在中国这样一个官本位的国度，士大夫们的趣味比较容易传扬开去，并且在他们的推动下不断发展，中国美术史在这里拐了弯，自娱自乐基本也就成了中国绘画的传统，官位成了画家创作价值的重要标志。原本正统的院体画家，在当时却成为了格调不高、匠气的代表，在主流的位置上也退去了好几百年。古代画论“随类赋彩”是针对固有色而言的，山是什么颜色，画家就给它着什么颜色的意思。在文人画里，因为画面基本是单色，是把墨色用水分出浓淡来充当色彩，这里的随类赋彩就成了在墨色的基础上罩染一层类似的淡色。在文人画里色彩是辅助，是对不及色彩的一种补充，这让我想起几十年前在黑白照片上着色。
晨 171.2x95.3cm 宣纸、墨、国画色 2019年（点击查看图片）
路易·圣莱克艺术和历史博物馆 57.1x69.4cm 宣纸、墨、国画色 2019年（点击查看图片）
我开始在色彩上探索中国画，现在想想很偶然，因为一个自小就在单色里画画的人，其惯性往往使人忘记真正的色彩，甚至对色彩视而不见。在我上大学的时候，记的有一次我在教室画山水，我用赭石、花青在墨线皴擦出来的山势结构上染色，也就是古画论里的“随类赋彩”吧。我正画着，旁边看我画画的一个人就问我：“这么多颜色你为什么只用那两只，其它的颜色为什么不用？”当时我就愣住了，下意识的去数了数那一盒国画色，是十二支。是啊，这么多颜色干吗不用它呢！这个问题，画画的人往往不会注意，因为从小受的教育，习惯了，眼里只有墨色，对于真色彩已经看不见了。我不知道他是不是上苍派来的使者，但我知道，他那句话对于我很重要，我想我就是在那个时候开始，我有意无意的开始了在宣纸上真正的色彩探索。曾经有人问我青绿山水和我的水墨画的区别，青绿山水是用青、绿的单色进行刻画，和墨的单色意义差不多，是在同一个范畴里。
天坛 95.6x86.2cm 宣纸、墨、国画色 2019年（点击查看图片）
中国画有那么多种颜色，为什么用一种墨色稀释了，分出浓淡之后去充当色彩呢？除了前面所说的，这里还有文化以及心理的诸多因素，很复杂，不是今天这样一个对谈能够说的清楚的问题。这种现象存在于中国艺术史，可谓源远流长。中国画家用墨色、用单色进行探索，原来和如今很多人都在做，也有人做得很好，这条路上积累的经验多，依据多，画家们走的时间长，取得的成就大，但我认为在中国画这条大路上，不能只是这一条路，一定要有一条色彩的路，不然那是很遗憾的。我在色彩水墨画这条路上探索了几十年，我的色彩写意发展到今天可以说已经很成熟了。说到这里有必要谈一谈观念，换一个角度，我的新型水墨画怎么说它首先是观念的变化，从前人们一味地画单色，我认为是因为画家没有想过在这种材料上去用色彩，不是中国画家在色彩上无能，而是观念。今天，成熟的色彩水墨出现了，如果说人们在宣纸上有惧色心理的话，那么应该就解除了。如今还有一种思维定式，看到色彩就以为是西洋绘画，其实大错了，色彩不是西洋绘画所专属，色彩当然也属于东方，色彩是任何绘画的基础因素。
艺术家杨佴旻（点击查看图片）
杨佴旻，祖籍中国曲阳。荣誉爵士、艺术家、诗人、文学博士；中国艺术研究院研究员；2003年获“首届哥伦比亚世界绘画贡献奖”，2014年胡润艺术榜少壮派在世国宝艺术家，2017年中国诗歌榜十大艺术家诗人；在世界多地举办个展，作品被国内外多家重要博物馆、美术馆收藏，著有画册，学术专著，诗集等。
我的水墨画三部曲
我最早的记忆好像没有别的，就是在我们当时叫窗户纸的毛边纸上涂画。有的孩子喜欢找对手打架，我不是，我没那么勇敢。
比猫画虎，摹本基本是小人儿书，有时也掐支花草画画，但我们并不叫写生。后来记不清楚从哪儿弄来一套画谱《芥子园》，如获宝贝。那时候我最喜欢山水卷，被我画得烂熟，现在我还能背着画出山水卷的每一页。我没有什么远大理想，只要能画画都行，那时我家距离河北省定窑瓷厂不远，我的第一个愿望是进瓷厂做画工。瓷厂旨在恢复失传的宋代五大官窑之定窑。我的第一位老师是厂里的技术厂长张老师，他的小写意花鸟很精彩。还不等我长大工厂就撤离了，做画工不成。
到了十五六岁，人说现在画画得进美术学校，三叔就带我去访名师，老师看了我的国画连声称好，但他说进美术学校要考素描和色彩，不考这些，我顿时傻了。后来我被特招进了保定学院美术系。要特别感谢美术系主任张志友老师，是他跑前跑后把我拽进的大学。（那一年我还考上了中央美院的大专班，因为据说那样的特招很不容易，河北省还是第一次，我放弃了进北京。）开始上素描课，我基本上是我们班画得最差的，那时我最稀罕会画素描的人，这辈子我崇拜过的人就是会画素描的。
两年的大学生活很快结束，我留校任教。我开始做辅导员，教学生画山水，也教过素描。我进大学前作品曾在全国美展获奖。
1995年暑假，在保定学院的画室，我画出了那幅对于我是里程碑式的作品《花卉》（白菊花）。1997年中国艺术研究院罗丽女士去保定，她当时负责北京音乐厅画廊，看了我的画她说：你要不要去北京办个展览，我说太要了。那个展览她请陶咏白、贾方舟两位先生写了评论文章。
九十年代中期我到了名古屋，在圣艺术画廊提供的工作室画画办展。工作室在新荣，是一栋三层楼，背靠一株巨大的百年桉树，它的树冠能有半个球场大。工作室背面是露天阳台，和西面一样爬满藤蔓。三层西北角的藤蔓丛中住着一窝蜜蜂，大概是我在那里工作三年后，每到夏天屋顶的墙角处就会滴下蜂蜜，我心生惬意，但并没有真正把它当蜜吃。
1999年7月陶咏白先生策划了我在中国美术馆的第一次个展，直至2018年，这20年间我一直在色彩水墨画上找突围，把自己的水墨画由墨色水墨推进到了色彩水墨画，由传统走向了现代。在这个过程当中，水墨画的当代化一直是我思想与实践的重点，我一方面守护，一方面推进。2019年我画出了有别于以往的作品。
我在国学最热的时候回国，到南京艺术学院读刘伟冬老师的博士，基础课是国学，国学老师史金城教授。先生80岁高龄还为我们上课，帮我补传统文化的课。我读博士的初衷不是为了找工作换环境，有宏愿，三年的博士课程我读了五年， 我想写出一篇不可一世的博士论文来，但终因琐事繁忙，又加上先天不足弄出那么一篇文字来，其中滋味只有自己知道。毕业了，母校成立了中国第一所新水墨画研究所，我任所长。此事也使我颇为惭愧，因为这个所并没有作为。
我把这40年的画画经过稍作梳理，为三个阶段：传统，现代，当代。我视为我的水墨画三部曲。
用中国的传统精髓，切实表达现世情景与生活，是我的追求。真正甘美的是那挖过几道岩层的深井水，我得到了一井水，但我相信再往深处挖就是一个海。不让家园沦落为后花园，水墨画要在新形式、新技法上去开掘，水墨画的根本问题还是思想。
伟大的艺术在于它无止境。把过去的形式总结归纳了来限制今天和以后的发展，这是画地为牢。这也是这些年所谓主流媒体的普遍声音。水墨画必须突围到经验认为不能到达的地方，这是艺术的意义，伟大也在于此。
最近我才理解了天时地利人和这句话。这么多年每每到一个阶段都会遇上，那人甚至素未谋面就会出来推助一把。感谢师长亲友，感谢天地！
2019.11.1
（编辑：李思）
已有0人发表了评论